Con un viaggio in macchina targato Dickon Hinchliffe si attraversano le luci dense e avvolgenti della notte. Ci si piega ai pensieri più profondi, alla rabbia più remota, alle prospettive imprevedibili e al riso sconsolato del turbamento. Sono altre dimensioni e altri sguardi, come "altro" è il mondo di Ivan Locke, protagonista dell'ultimo film di  Steven Knight, che si sgretola sull'autostrada verso Londra in seguito a una scelta che cambierà radicalmente la sua vita. 

A breve la recensione, intanto la musica di un film stra bello.

La Movies Inspired lancia il trailer di Only Lovers Left Alive ("Solo gli amanti sopravvivono", qui ne scrivo).
Finalmente il brindisi all'emoglobina di Jim Jarmusch arriva nelle sale. Dal 15 maggio.

Duro, sboccato, incazzato, vendicativo, ostinato e lungimirante. Una delle migliori interpretazioni di Clive Owen, qui in veste di "cavernicolo" dottore dal cuore spezzato, candidato all'Oscar come attore non protagonista. Innamorato, tradito e lasciato da Julia Roberts riesce a riconquistare il suo amore e, in poche battute, violenta l'anima di chi glielo aveva portato via. Jude Law avrà la peggio, smontato dalla ragione senza scrupoli di un interlocutore granitico, pronto a distruggere con impassibile rabbia ogni obiezione del "romantico" scrittore. L'amore? Una questione di compromessi... e obiettivi.

<<Io rivoglio Anna>>

<<Ha fatto la sua scelta>>

<<Ti devo delle scuse, mi sono innamorato, la mia intenzione non era di farti soffrire...>>
<<E dove sarebbero le scuse? …Coglione…>>
<<Ti chiedo scusa. Se tu l’ami la lascerai andare così potrà essere felice>>
<<Lei non vuole essere felice>>
<<Tutti vogliono essere felici>>
<<I depressivi no, vogliono essere infelici per confermare la depressione, se fossero felici non potrebbero essere depressi, dovrebbero uscire nel mondo e vivere… il che può essere deprimente>>
<<È tornata da te perché non sopporta la tua sofferenza… tu non sai neanche chi è, la ami come un cane ama il padrone>>

<<…E il padrone ama il suo cane per questo…>>.

Da Closer di Mike Nichols (2004)

(Young Men Dead by The Black Angels)

Non è abitudine su questi lidi recensire telefilm, ma talvolta visioni non programmate fanno conoscere alcune perle del piccolo schermo.  È il caso di True Detective di Cary Fukunaga e Nic Pizzolatto (2014): iniezione visiva di pregiata fattura, da gustare a dosaggio lento e replicato per assaporare i dettagli di una serie da urlo.
Siamo nell’entroterra del sud degli States e il caso di omicidio di una donna apre la ricerca di un serial killer dentro atroci rituali religiosi e anfetaminici. A capo delle indagini due antieroi consumati e tosti a cui prestano corpo e anima Matthew McConaughey e Woody Harrelson. L’uno (Rust Cohle) cinico e solitario, devastato da quattro anni di infiltrato per la narcotici, l’altro (Marty Hart) incasinato dal peso dell’età e del mestiere, irritabile e tormentato. Filosofie in conflitto e passati complementari, frutto di una sceneggiatura d’eccezione divisa in otto capitoli di altissimo livello emotivo e narrativo.  
Il lancio di stile targato HBO viaggia sotto una tela di polvere e cenere, tesa con le fattezze del thriller e districata dalle indagini di una coppia di fuoriclasse.
Accanto agli orrori di bestie umane (inoculati efficacemente negli occhi dello spettatore attraverso le reazioni dei detective) si inseriscono caustiche riflessioni sull'esistenza e provocatori momenti umoristici. Passaggi di flashback e di ricostruzioni che ripercorrono le vite di Marty e Rust durante un’investigazione chiusa e riaperta nell’arco di 17 anni.

True Detective si addentra nella mente dell’assassino come in quella della società camminando sui labili confini del bene e del male, con conseguenti cicatrici sulla pelle e nelle relazioni. L’episodio pilota instilla la domanda chiave e alla fine s’arriva d’un fiato, passando per una sequenza action (nel quarto) degna del miglior cinema. Terre secche e assolate della Louisiana fanno da sfondo alla vicenda poliziesca che intreccia, prima di tutto, una straordinaria storia d’amicizia. È una ricerca di verità inconsolabile e furente quella dei due protagonisti: restringe il campo attorno all’antro infernale di un mostro e regala una catarsi onirica e sofferta. Prova d’eccellenza e culla di due attori grandiosi in braccio al dolore e a una colonna sonora presente come un’ombra, a sussurrare tenebre e luce dentro "la storia più antica del mondo".

La struttura antologica di True Detective prevede stagioni indipendenti con cast rigenerato ad ogni annata, in futuro sarà forse difficile riproporre gli standard di questa serie, ma è bello sperare.

<<Giorni e giorni senza niente. Ecco com’è lavorare a un caso.

Giorni che sembrano cani sperduti>>

(McConaughey/Cohle).

In fondo cos’è davvero il romanticismo? La mia intolleranza alle faccende zuccherose della vita mi porta a condividere la dismisura di questa sopravvalutata accezione (e percezione). Ma è pur vero che senza eccessi la vita perde ogni sapore.
Da Vicky Cristina Barcelona di Woody Allen:

<<A livello mentale è un'adolescente e, essendo romantica, tende all'autodistruzione, quindi per un breve momento di passione è capace di perdere completamente ogni senso della misura>>.
(Rebecca Hall).

Gigolò per caso è uscito al cinema il 17 aprile, ma è ancora in tour in molte sale italiane. Qui ne scrivo, mentre sotto posto la colonna sonora. Artisti vari tra cui Bill Maxwell che compone due brani, la dolcissima Vanessa Paradis che interpreta "Tu si na cosa grande" e la bellezza del sassofono di Gene Ammons che completa la delicata cornice di John Turturro.

Il premio Oscar per la fotografia Wally Pfister (fedele collaboratore di Christopher Nolan) al suo esordio alla regia si intrufola in un filone cinematografico mai giunto al tramonto, indagando sulla dipendenza dalla tecnologia e sul sorpasso dei nostri limiti. Dentro la storia fantascientifica inserita nella Black List delle migliori sceneggiature non realizzate del 2012 impera il trio di ricercatori “trascendenti” Johnny Depp, Rebecca Hall e Paul Bettany. Studiosi in un futuro non troppo lontano di un imponente progetto tecnologico di intelligenza artificiale denominato P.I.N.N., ovvero Rete Neurale Fisicamente Indipendente...

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<<Qualsiasi cosa sia come ogni intelligenza vuole progredire, superare i propri limiti e non si accontenterà mai>>.

Si vocifera che Synecdoche, New York, film presentato in concorso al 61° Festival di Cannes (2008), sarà distribuito nelle sale entro il 2014. A confermarlo è la Bim che però allo stesso tempo non dà certezze. In quel “vi terremo aggiornati” resta comunque la speranza di vedere sul grande schermo il primo lavoro da regista di Charlie Kaufman, a cui fanno capo le sceneggiature di Se mi lasci ti cancello di Michel Gondry (premio Oscar), di Essere John Malkovich di Spike Jonze e delle Confessioni di una mente pericolosa di George Clooney. Il film racconta la storia del regista Caden Cotard, interpretato da Phillip Seymour Hoffman, la cui vita professionale e personale va in pezzi, rovinata da una serie di ossessioni, di malanni, dall’abbandono della moglie e dall’opera teatrale che non riesce a concludere.
Dentro il gioco di parole dato dalla sineddoche e da Schenectady: una periferia di New York in cui è ambientata la vicenda, nasce Synecdoche, con cui il regista si concede la libertà di un impianto narrativo che fonde, a partire dalla figura retorica del titolo, tempi, spazi e percezioni. Un intreccio  mentale e psicologico che apre le porte anche ad allucinazioni e a visioni estreme, alle quali Kaufman spesso ci ha abituato. Il film cammina quindi sui confini della realtà, nutrendosi di visioni oniriche e sguardi filosofici, per questo le opzioni del (suo) piano esistenziale sono infinite. 

Un estratto:

Sulle possibilità senza limiti (Limitless) della mente umana la fantascienza ha giocato spesso. Il nostro cervello è stato corriere di dati (vedi Reeves in Johnny Mnemonic), database per la salvezza dell’umanità (destino di Damon in Elysium) e anche protagonista di un salto evolutivo mai concepito prima (Lucy di Luc Besson.
Neil Burger nel 2011 regalava a Bradley Cooper una pillolina magica capace di potenziare la memoria, l’attenzione e il ragionamento, ottenendo come da titolo capacità illimitate. Un cambio radicale nella vita di uno scrittore che, con le pupille dilatate di aspirazioni, usa il farmaco miracoloso senza preoccuparsi delle conseguenze.
Quanto è facile immedesimarsi? Assuefazione e isolamento sociale sono soltanto effetti collaterali della gloria, inizialmente gestibili, fino a quando il panico e i crampi allo stomaco sorpassano le intenzioni. Il protagonista diviene quindi l’occhio di un ciclone dentro cui si scontrano potere ed etica, successo e ricatto, sottomesso allo spacciatore che gli vende la roba e al labirintico crollo esistenziale che ne segue. Ma il genio del nuovo millennio è “chimico” e la mente umana è per sua natura imprevedibile. L’estetica è da videoclip e il finale tiene alta l’attenzione. Nel cast anche Robert De Niro, Abbie Cornish, Anna Friel, Andrew Howard e Johnny Whitworth.

<<Pochi conoscono cosa vuol dire diventare la versione perfetta di noi stessi>>.

A fare da cornice al pittoresco Grand Budapest Hotel di Wes Anderson è la colonna sonora di Alexandre Desplat. Già ascoltato nella Venere in pelliccia di Polanski intona per il coloratissimo minimondo di Anderson un ritmo incalzante e perfettamente sincronizzato con la storia. I toni caldissimi delle scenografie, i ruoli bizzarri degli interpreti e la trama mesta e grottesca si sposano con ogni nota fino a tingere la tragedia di fiaba e a estrarre l’avventura dal dramma. Un’aurea folle, rocambolesca e commovente che segue la vicenda del concierge Ralph Fiennes e suona su estesi paesaggi innevati, su moquette altolocate e sobborghi meno profumati. È una tela magica quella di Desplat, capace di colorare la commozione d’ironia, sostenendo preziosi equilibri.

* by Alexandre Desplat

01 s'Rothe-Zäuerli by Öse Schuppel *
02 The Alpine Sudetenwaltz *
03 Mr. Moustafa *
04: M. Gustave H by Overture *
05 A Prayer for Madame D *
06 The New Lobby Boy *
07: Concerto for Lute and Plucked Strings I. Moderato by Siegfried Behrend & DZO Chamber Orchestra
08 Daylight Express to Lutz *
09 Schloss Lutz Overture *
10 The Family Desgoffe und Taxis *
11 Last Will and Testament *
12 Up the Stairs/Down the Hall *
13 Night Train to Nebelsbad *
14 The Lutz Police Militia *
15 Check Point 19 Criminal Internment Camp Overture *
16: The Linden Tree by Osipov State Russian Folk Orchestra, Vitaly Gnutov
17 J.G. Jopling, Private Inquiry Agent *
18 A Dash of Salt (Ludwig's Theme) *
19 The Cold-Blooded Murder of Deputy Vilmos Kovacs *
20 Escape Concerto *
21 The War (Zero's Theme) *
22 No Safe-House *
23 The Society of the Crossed Keys *
24 M. Ivan *
25 Lot 117 *
26 Third Class Carriage *
27 Canto at Gabelmeister's Peak *
28 A Troops Barracks (Requiem for the Grand Budapest) *
29 Cleared of All Charges *
30 The Mystical Union *
31: Kamarinskaya by Osipov State Russian Folk Orchestra, Vitaly Gnutov
32 Moonshine (traditional arrangement) *.

Dal 30 aprile al cinema arriva la storia vera, avventurosa e straordinaria di Tracks Robyn Davidson. Il film diretto da John Curran con Mia Wasikowska è ispirato alle fotografie di Rick Smolan e basato sul romanzo autobiografico "Tracce" di Robyn Davidson.
Sa di buono, intanto questa è l'avvolgente traccia del trailer: "Outro" by M83.

 

Tracks racconta la straordinaria storia vera di Robyn Davidson, una giovane donna che lascia la comoda vita di città per affrontare un viaggio in solitaria attraverso oltre duemila chilometri di deserto australiano. Accompagnata solo dal suo cane Diggity e da quattro recalcitranti cammelli, Robyn parte alla scoperta di se stessa. Lungo la strada, incontra il fotografo del National Geographic Rick Smolan, che documenterà il suo epico viaggio. (Bim Distribution).

Qui il trailer di Tracks.

Una seconda segnalazione la dedico invece a questo documentario. Lo vedrò per la prima volta anche io quindi riporto la sinossi originale senza ulteriori commenti.

La storia del movimento che sta sconvolgendo l’ordine e il controllo politico internazionale, minacciando le corporation e proponendo un nuovo concetto di movimentismo internazionale attraverso la Rete. Dalla genesi, nel 2003, tra i post di 4chan, fino al supporto agli attivisti tunisini ed egiziani durante la primavera araba, passando per le azioni ai danni di Scientology e Paypal, e al fiancheggiamento di Wikileaks, ANONYMOUS, attraverso la voce degli stessi hacktivisti, fornisce una lettura di alcuni degli eventi chiave della nostra storia recente che nessun organo di informazione ufficiale approverebbe. (Fonte: laeffe.tv).

<<È più facile far credere una cosa a centomila persone che a una sola>> dice il regista Viktor-Al Pacino- Taransky. Il risultato del suo pensiero è facile da condividere, visto che S1mØne, la versione virtuale dell’attrice reale che cerca, è figlia di un software di cui nessuno sospetta. Anzi, lanciata nel film di debutto ottiene un successo stratosferico e i giornalisti lottano per poterla intervistare. Come far stringere la mano a miliardi di pixel? Viktor trova la soluzione, l’espressione, il set, qualsiasi cosa che trasformi l’illusione nella verità e fomenti il sogno della donna, come dell’emozione perfetta. In fondo il cinema si nutre di magia e di storie fuori dal comune, lui ne sta solo amplificando la percezione. 
In bilico tra le apparenze e la loro necessità, tra la brama del consenso e la negazione dell’inganno (a se stessi in primis), S1mØne (unione di Simulation One), è un film sul sovraccarico di bugie di cui siamo costantemente vittime e creatori. La coscienza di un convinto Pacino implode, rischia di soccombere, e quando si ha la sensazione che l’insegnamento sia ormai chiaro, Andrew Niccol (The Truman Show) vira verso una convincente distorsione. Lì dove una tecnologia rischia di mangiarci tutti e gli ologrammi esprimono a chiare lettere: << Io sono la morte del reale>>.

<<Tutti siamo facilmente spiegabili, ma restiamo inestricabili>>.  

Quando il diavolo bussa cerca l’anima. Roman Polanski lo fa arrivare con tacchi a spillo e trucco sbavato dentro un teatro di terz’ordine.
L’inganno è donna: attraente, bionda e contestataria. Voce dell’inconscio di chi venderebbe l’anima per un’allitterazione e risposta greve all’infatuato: "Non si prende per il culo una dea: così per dire...". 

La dea in questione è Emmanuelle Seigner che si presenta a un provino per interpretare Vanda nella versione teatrale di Venere in pelliccia di Leopold Von Sacher-Masoch. Il regista (Mathieu Amalric) la detesta, indelicata e sboccata com’è, fino a quando l’improbabile candidata fa aprire bocca al personaggio e tutto cambia. Quale miglior modo di intrecciare immaginazione, dramma, cinema e verità? 

L’indefinito sul palcoscenico teatrale e esistenziale di Polanski è di casa, i due protagonisti saltano dai personaggi all’essere se stessi incastrandosi nell’inevitabile groviglio dei due ruoli. Si travestono, si nascondono, mentono e, dentro la sceneggiatura sarcastica, letteraria e romantica del film e dell’opera, recitano la loro tragedia. Dietro le quinte intanto il diavoletto tesse le sue tele, la seduzione aleggia nell’aria e la ricerca della massima teatrale perfetta si fa scrittura. Del languore dell’incontentabile come delle maschere che abbiamo, Polanski, Seigner e Amalric sono gli specchi dei nostri segreti, coinvolti in un duello di attrazione che ci porta dentro il blindato regno dell’istinto che vogliamo difendere.

L’umana natura è a portata di una pièce che non avrà mai repliche. Che vive una sola volta e si fa incatenare al proprio Io senza più alcun filtro. Venere in pelliccia  è la capacità con cui l’autore di Carnage raccoglie sopra un palco 90 minuti di cinema, è la dimora di chi parte dal Masoch-ismo e diventa asceta della voluttà. La distinzione tra ambiguità e ambivalenza si incontra con l’erotismo sfrontato e (volutamente) mal vestito. La recita è solo una parata, dentro il film dimora il mondo imperscrutabile di ognuno di noi, compreso di ossessioni, (s)confessioni, feticci e spaventi.

Scheda film

Titolo: Venere in pelliccia (La Vénus à la fourrure)
Regia: Roman Polanski
Sceneggiatura: Roman Polanski
Cast: Emmanuelle Seigner, Mathieu Amalric
Musiche: Alexandre Desplat
Genere: commedia/drammatico
Durata: 96’
Produzione: R.P. Productions
Distribuzione: 01 Distribution
Nazione: Francia, Polonia
Uscita Italia: 14/11/2013.

Il rapporto malato e bulimico col sesso di un Fassbender crudo e nudo, prigioniero insieme alla sorella di una dipendenza autodistruttiva che lo divora lentamente. 

C’è un solo istante in cui il sentimento prova a entrare in una camera da letto, ma viene restituito al mittente e disintegrato con rapporti carnali stremati di dolore. La "vergogna" del titolo di Steve McQueen è una punizione che piange sotto la pioggia incapace di arrestare la sua foga. Un film sapientemente patinato che sfida l’occhio e cancella le emozioni. Ridondante nella sequenza centrale di amplessi, ma infrangibile dal punto di vista narrativo. Diretto e livido Shame libera una grondante quantità d’angoscia scarnificando nervi, colpe e silenzi. McQueen saccheggia corpi e annichilisce anime, fa prendere loro un treno e lancia il messaggio nel buio... del cinema e dell'abisso.

L’hotel sull’Hudson dove Brandon consuma un rapporto esiste davvero, nella hall è posto l'esplicito divieto di non fare sesso davanti alle vetrate.

Oggi alle 23:00 su LaEffe (canale 50)

<<Non siamo cattive persone. È solo che veniamo da un brutto posto>>.
(Carey Mulligan)

Scheda film

Titolo: Shame
Regia: Steve McQueen
Sceneggiatura: Steve McQueen, Abi Morgan
Cast: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Hannah Ware, Lucy Walters, Robert Montano, Anna Rose Hopkins, Jay Ferraro
Musiche: Harry Escott
Genere: drammatico
Durata: 99’
Produzione: See-Saw Films, See Saw Films, Film4
Distribuzione: Bim
Nazione: Gran Bretagna
Uscita Italia: 13/01/2012.

In tempi di crisi (economica e spirituale) si vagliano scelte mai considerate prima e il “guaritore” del 21° secolo è l’amante della porta accanto. Colui che col vigore acceso dietro sguardi accoglienti e il fascino vulnerabile dell’uomo comune risveglia emozioni sopite. Un Gigolò ...per caso di nome "Virgil" Turturro.

La recensione del film QUI ;)

Questa è una poesia estratta da Gloria, il film del cileno Sebastián Lelio. Qualche parola con cui accarezzare l'altra metà che strenuamente si cerca, si desidera e di rado si trova.

"Mi piacerebbe essere un nido se tu fossi un uccellino.
Mi piacerebbe essere una sciarpa se tu fossi un collo ...e avessi freddo. Se tu fossi musica io sarei un orecchio. 

Se tu fossi acqua io sarei un bicchiere. 

Se tu fossi la luce io sarei un occhio. 

Se tu fossi un piede io sarei un calzino. 

Se tu fossi il mare io sarei una spiaggia, e se fossi ancora il mare io sarei un pesce ...e nuoterei per te. 

E se tu fossi il mare io sarei sale, e se io fossi sale tu saresti una lattuga, un avocado o almeno un uovo fritto. E se tu fossi un uovo fritto io sarei un pezzo di pane. E se io fossi un pezzo di pane tu saresti burro o marmellata. E se tu fossi marmellata io sarei la pesca della marmellata. E se io fossi una pesca tu saresti un albero. 

E se tu fossi un albero io sarei la tua linfa e correrei per le tue braccia come sangue. 

E se io fossi sangue, io vivrei nel tuo cuore".

QUI la recensione ;)