Ogni giorno il Signor Oscar (Denis Lavant) percorre le strade parigine in una limousine bianca guidata dalla fedele Céline (Edith Scob). Il suo lavoro è compiere brevi missioni esistenziali interpretando ruoli diversi. 

Nella prima scena di Holy Motors il regista Leos Carax è dietro e pure davanti al video, noi lo guardiamo e lui ci guarda. Si è svegliato in piena notte per affacciarsi su una sala cinematografica nella quale c’è un pubblico immobile: un’istantanea in cui per un momento chi sta guardando il film fissa se stesso dall’esterno, come una simbiosi emozionale tra chi partecipa e chi invece osserva. Il suo è un dialogo aperto, surreale e paranoico, oltre tutti gli schemi e gli schermi che siamo abituati a vedere.

Seguono nove appuntamenti per nove identità diverse: Denis Lavant è l’uomo d’affari, il mendicante, l’ operaio di Motion Capture, il barbone, il padre, il morente, l’ assassino e l’ assassinato, di volta in volta esce dall’auto completamente trasformato per eseguire un compito carico di illusioni. Reale e virtuale si incontrano in trame costruite, in vite recitate e in intermezzi musicali. Sono proiezioni di esperienze che riguardano quella bellezza del movimento a cui l’attore stesso accenna in un dialogo con un ipotetico regista: se la bellezza è nell’occhio di chi guarda, ma non c’è più nessuno a guardare? Qui si rivela il “motore” del film, che è superficialmente un gioco di ruoli, ma nasconde nella miseria, nell’amore e nella solitudine portate in scena un sentimento più profondo: l’identità del cinema.
Carax si chiede dove siano le macchine, i “Motori Sacri” del titolo e dell’azione, dove sia andata a finire “la bellezza del gesto”. Gesto che mette nelle mani e nell’interpretazione di Oscar, un uomo senza un apparente passato e con un presente anonimo destinato a reiterare se stesso. Perso tra le facce, ma anche tra le macchine, che non filmano più e stanno scomparendo. Il cinema è solo, come lo è Oscar, al tempo stesso uno, tanti e nessuno, fantasma in opera e dell’opera.

Nella realtà di Holy Motors si osserva il grottesco e l’azione, la tecnica e il dramma, generi coscienti di quell’arte che sta perdendo le “macchine visibili” elette a inquadrarla. Quando termina la finzione non si può sapere. Holy Motors è un cinema nel cinema, una dichiarazione d’amore di un regista che regala un viaggio estremo della condizione umana in cui un individuo trasforma se stesso in qualcuno e qualcos altro, diventa persona e personaggio, capace di morire e rivivere in nome dell’arte. Un film scombussolante, speculare, camaleontico, robotico, erotico, con cui Carax fonde arte d’emozione in cui non è importante rintracciare una logica assoluta o uno scopo garantito.
Compreso Oscar, ognuno se ne andrà a dormire in una nuova recita o in casa propria, con il dubbio che il regista si sia rivolto principalmente agli occhi chiusi in quella fotografia spettrale d’inizio, che sono d’altri, ma sono anche i nostri, incapaci forse di guardare dentro e oltre lo schermo.

Traccia dal film >>> qui.
Citazione.

Godzilla II - King of the Monsters: ovvero il pianto delle conseguenze del nostro operato sul pianeta, nonché il tentativo di recupero di coesistenze ed ecosistemi. Un film apocalittico composto da tre anni di girato in CGI e scene ripetute fino a 40 volte. Cinema al green screen nel quale le location sono diventate Studios e negli Studios si creano mostri. Nel bene e nel male, perché se il Mostro in questione è in realtà un Re capace di rimettere a posto i nostri disastri, gli altri sono gli attori che riescono poco a stare in queste storie dissociate dal tempo reale. Forse è per questo che sembrano un po’ distaccati; che le emozioni che potrebbero potenziare una pellicola di questo genere restano a margine. Zavorra che si riflette sulle facce e in alcuni dialoghi, ripresi dal capitolo di Gareth Edwards e reiterati con un po’ di noia. Tanto basta per creare l’intenzione di salvare la terra nel più bizzarro progetto di rinascita mai visto, o forse sì… ma quello era di Thanos ed è tutta un’altra storia.

Qui siamo a San Francisco dentro una trama legata al 2014 e al lutto di una famiglia in pezzi. Nelle profondità della terra dimorano i Titani, le leggende che li tramandano e i graffiti subacquei che ci avvicinano al mito arcaico dei Kaiju. Tutto suggestivo, se non fosse che si arriva a questo quando ormai i mostri sono liberi e non c’è tempo di apprezzarne le personalità; quando il più delle volte il cast pare assolvere il ruolo di nota agli eventi e perciò di chi vive e di chi muore ti importa poco (si aggiunge un repentino taglio di montaggio che non ti fa rendere conto che un personaggio è spazzato via da qualcosa). Michael Dougherty vuole lo spettacolo e su di esso si concentra: fantastico, mastodontico, qualcosa tra le collisioni più funeste di Pacific Rim e la rabbia più imponente di Jurassic Park. Una messa in scena in cui si ragiona in grande bypassando il dramma delle vittime e talvolta guastando anche il ruolo dei personaggi (per esempio non è chiaro perché Kyle Chandler capisca Godzilla meglio dello studioso Ken Watanabe).

Il focus ha ormai virato su più mostri e più scontri, con la Warner Bros. dietro le quinte che magari ha chiesto proprio questo. I primi piani di Godzilla, la sua ira, la furia dei suoi nemici, la visione in slow-motion di alcuni campi lunghi sono affascinanti sequenze che meritano tutta l’attenzione. Si veda il crocefisso insieme a Ghidorah su un monte di fuoco, Mothra che dispiega le ali dietro il velo traslucido di una cascata, l’inseguimento tra Rodan e un gruppo di caccia militari. L’energia d’azione è palpabile, insieme a quella sonora, si espande e sublima il centro degli eventi all’interno della battaglia, con una grafica che crea un’imponente onda d’urto. Perciò a fronte di tanta smisurata catastrofe si vorrebbe vedere il Re in qualche imprevedibile attacco, ricordandolo ad esempio incenerire le viscere del M.U.T.O col raggio atomico nel 2014. Invece entra in campo con modalità ripetute, un loop registico che esalta la potenza, ma limita lo stupore, in parte e purtroppo anche nell’incandescente nucleare scontro finale.

Regole. Sono ciò che ci distingue dagli animali e ciò che sin dagli esordi hanno definito la natura del mondo di John Wick; o meglio della Gran Tavola che il sicario in ex pensione ha sfidato, uccidendo uno dei suoi membri tra le mura del Continental. Territorio protetto che non ha avuto la meglio sull’istinto di vendetta nel precedente capitolo. Wick ne paga oggi le conseguenze, con una taglia di milioni di dollari sulla testa e nessun rifugio, ma soprattutto con l’obiettivo di restare vivo e trovare il Gran Capo. Colui che può tutto, ma ad un prezzo che forse è peggiore della morte.

Terzo capitolo della saga iniziata nel 2014, vecchie e nuove facce, accenni  alle origini del protagonista e un titolo che apre nuove prospettive.  Parabellum è la guerra all’Organizzazione, è il sangue che non può non scorrere e, come dice la Huston, è “il vento che non schivi”. Dunque aperta la caccia, le sapienti coreografiche mazzate ad opera dello stunt e regista Chad Stahelski fanno il resto. Dettagli sulle punizioni di chi infrange quelle regole e poi via alle armi, “tante armi”, dentro cavalcate, luci al neon, sciabolate, alleanze rinnovate e antichi patti. Palcoscenico di un viaggio sonoro che da sempre esalta la voce degli armamenti accanto a un abbondante mix musicale, fedele (forse troppo) ai precedenti film. Stahelski si ricorda che l’azione può essere divertimento e non lesina su iperbolici voli di mototciclette in corsa o sugli agguati di devoti cuccioli addestrati all’attacco. John combatte, senza tregua, assemblando pistole, ricaricando canne mozze e, dove mancano le pallottole, fa degli oggetti (o dei puledri) di scena la giusta arma letale. Tra l’ammirazione dei nemici, che un po’ lo venerano e un po’ vogliono la gloria d’averlo ammazzato, Wick 3 si fa pure semi ironico campionario di violenza. Raffinando ancora di più la sua notevole estetica noir che quasi azzera la sceneggiatura, in favore della metafora sul cattolicesimo che caratterizza la trama da sempre. Penitenza, peccato e salvezza si presentano nella moderna giungla corporativa, suggerendo nelle regole e nel lessico (sconsacrato, scomunicato) un radicato e sovrastante senso di controllo. La guerra non è più solo personale, ma dolorosa collisione con l’ineluttabile; ovvero intrattenimento di stile, lotta per la vita, inseguimento sanguinario ed energico che monta sulle orme di un videogioco (tante battaglie fino al mostro finale).

Certo è pur sempre un film e Reeves avrà sempre la sua non-espressione distaccata, ma chi va in sala si aspetta un crescente e inesorabile body counting; un’azione omicidiaria le cui facce sono spesso soltanto numeri e ombre. Perciò Stahelski riesce nel suo “colpo”, pur presentando il climax in una stanza a vetri che ha tanto gli echi della Galleria d’Arte Moderna del 2017. Il futuro è aperto e alcuni interrogativi sono stati lanciati, come logica criminale vuole: i sopravvissuti risponderanno.

SCHEDA FILM

Titolo: John Wick 3 – Parabellum
Regia: Chad Stahelski
Sceneggiatura: Derek Kolstad, Shay Hatten, Chris Collins, Marc Abrams Cast: Keanu Reeves, Asia Kate Dillon, Halle Berry, Jason Mantzoukas, Ian McShane, Laurence Fishburne, Anjelica Huston, Mark Dacascos, Lance Reddick, Tiger Hu Chen
Musiche: Tyler Bates, Joel J. Richard (colonna sonora disponibile qui)
Genere: azione
Durata: 130’
Distribuzione: 01 Distribution
Nazione: USA
Uscita: 16 maggio 2019.
VOTO: 6 mitragliate e mezza.

Una cosa che abbiamo imparato con l’astronomia prima e con la fantascienza dopo è che l’universo non è un luogo ospitale, anzi è un gran figlio di beata donna che non «collabora», risucchiando nell’oblio qualsiasi cosa provi a sfidare le sue leggi. Perciò Ridley Scott che di sopravvivenza se ne intende (*) per raccontare il suo Sopravvissuto ha avuto la felice idea di piazzare un uomo, solo, su Marte. Perché proprio dentro un luogo inabitabile, dove tutto avanza e cambia a prescindere dalla nostra presenza, la vita (e il desiderio di abbracciarla) è più dirompente che mai.

Il suo marziano così persegue un viaggio ben più ampio di un parata filosofica sull’ostilità dell’universo e, in un fondersi di razionale e di immaginazione, l’esplorazione fa i conti col dramma. Il nuovo eroe che ne esce è un concentrato di motivazione, fragilità e ironia. L’astronauta Matt Damon combatte contro solitudine e personale estinzione senza ammorbare con prosopopee psicologiche sullo stato delle cose. La fine l’accetta e l’affronta, di sicuro non sta lì ad attenderla o a temerla, mettendosi all’opera per bypassare le barriere del pianeta rosso. Assistiamo quindi  ai suoi piccoli grandi passi, che grazie a calcoli matematici e botanica smuovono il più ancestrale e irrefrenabile dei sentimenti: la speranza.
Ce n’è tanta in The Martian e tuttavia mai nominata, mai stucchevole, mai anima ruffiana aggancia pubblico. Qui ciò che conta sono i legami tra le persone e i legami con la madre terra, ciò che il regista inquadra è la nostra connessione con l’immenso in un’accezione di sfida e di adattamento. A descrivere quest’interazione sono i paesaggi, a rispondere la scienza, a congiungere coraggio e paure sono i messaggi in video lanciati nell’etere. Ogni tassello di questo film costruisce, rivela, si incastra in archi temporali essenziali al racconto e due ore corrono via tra spettacolo e musica. Bravo a non far sembrare tutto un gioco sulle spalle di Damon e nemmeno una convenzionale missione Blockbuster-NASA a stelle e strisce Scott mostra un lato fiero e burlone, contemplativo e reattivo, orchestrando una storia ricca di umanità e di positivismo. Estranea al quotidiano eppure concettualmente vicinissima.

Scheda IMDb

The Titan, ovvero cosa resta dell’uomo nel 2048. Futuro fantascientifico nel quale colui che riuscirà a modificare il proprio corpo potrà vivere adattandosi ad altri pianeti. Nello specifico Titano (satellite), preso di mira come ultima salvezza dell’umanità, visto che abbiamo sfruttato, inquinato, demolito, sovrappopolato la Madre Terra fino al punto da attivare mutazioni artificiali del DNA e pregare che gli effetti collaterali ci risparmino.

Distribuisce Netflix, dirige Lennart Ruff su soggetto di Arash Amel, con interpretazioni non pervenute. Ad arrangiarsi sono la Taylor Schilling di Orange is the New Black e il Sam Worthington di Avatar, a cui puoi chiedere di diventare Terminator, ma non è certo una faccia da profondità emotive efficaci. Se quindi al ritmo già insufficiente della pellicola sottrai pure l’intensità degli attori è un bel problema.     
The Titan è apprezzabile dal punto di vista scenografico, l’idea di base apriva inoltre psico contorni horror non di poco, ma il risultato più che a un lavoro pensato per la suspense somiglia a un lungo episodio pilota di qualche serie tv. 
Fissato tutto sulla preparazione chimico-chirurgica dei nuovi Homo Titanicus si arriva al dunque fuori tempo massimo. L’altalena centrale tra le preoccupazioni dei familiari coinvolti e la determinazione dei nuovi papà-soldato non approfondisce poi il senso dell’impresa, anzi estende dettagli retorici e annoia coi segreti dell’ennesimo carnefice/villain.
Delle premesse resta uno spauracchio stile Voldemort che onora le idee di un film confuso: sulle sorti di chi vi prende parte, sulla trama pioneristica, sul fatto, soprattutto, che c’è una notevole differenza tra una fantascienza che pone domande e una che non dà risposte.
Stelle: 4

Scheda film
Titolo: The Titan
Regia: Lennart Ruff
Sceneggiatura:  Max Hurwitz, Arash Amel
Cast:  Sam Worthington, Taylor Schilling, Tom Wilkinson, Agyness Deyn, Nathalie Emmanuel, Noah Jupe, Corey Johnson, Alex Lanipekun
Musiche: Fil Eisler
Genere: fantascienza
Durata: 97’
Nazione: USA
Anno: 2018
Distribuzione: Netflix (tv).
La recensione si riferisce alla versione in lingua originale.

Quasi come un presagio parallelo al senso del titolo Annientamento non è mai arrivato alla grande distribuzione; perlomeno non a quella italiana. Così dal bagliore d’inizio del film all’abbaglio degli spettatori (era uscito anche il primo trailer targato 20th Century Fox) la sintesi della discordia tra gli addetti ai lavori si è conclusa in tv, dove qualcuno (c’è da dire pure per fortuna) ha trovato il paciere Netflix.

Ciò detto, la genesi del viaggio artisticamente surrealista di Garland nasce nell’Area X. Una Zona* di tarkovskiana memoria nutrita dalle visioni del romanzo New Weird di Jeff VanderMeer e messa in criptica scena dal regista di Ex Machina. Fantascienza come piatto comune, mutazioni biologiche in divenire.

Al centro Lena (Natalie Portman) che cerca una cura per il marito malato. Semi scomparso con altri soldati proprio in quel perimetro di arcobaleno fluttuante, dove chi oltrepassa non fa ritorno, o chi torna non è più lo stesso.
Un percorso di misteri dentro scenari infestati da mutazioni paradossali, incroci genici, metamorfosi d’ogni tipo, luci mesmerizzanti  e dubbi su dubbi ammantati da un respiro alieno. Annientamento è il magma che avvolge le menti e la carne come fosse un sogno di perverse fattezze. Dal sangue di questa terra nascono incubi e gli incubi sono esseri arcani che hanno nella voce le urla delle loro vittime. Presenze di una natura ormai compromessa e in espansione, di quei segreti da cui si cerca una redenzione e invece si imprimono lividi sulla pelle come tatuaggi. Non è un caso che l’uroboro sul braccio di Lena sia presentato parlando di echi, di alterazioni circolari indecifrabili.
Garland lesina sugli effettivi visivi, ma l’inquietudine l’ha plasmata con altro. Lunghe sequenze prive di dialoghi, sintetizzatori elettronici allarmanti e dolenti, disgregamenti cancerosi sopra pareti di morte. Quello che vediamo sono gangli di una psiche malridotta, di vite senza scampo colpite da un’inarrestabile endogena disfatta darwiniana. Persino la concezione di spazio-tempo è un’ellissi divorata dall’oblio e ogni ipotesi più che a qualche teoria porta ad altre ipotesi.
C’è da chiedersi chi entrerebbe mai in un luogo simile se avesse una vita normale fuori, riflette una delle protagoniste, e sono dolori condivisi, perdite insanabili quelle che mettono in cammino le cinque studiose, con crisi tanto profonde da preferire l’autodistruzione al ritorno. Concetto cardine nel film su cui Garland innesta tutta la storia. Da non confondere con suicidio, la pulsione alla decostruzione emotiva o genetica è l' istinto che (si) rigenera, (forse) distruggendo, per evolvere; anche se entriamo nella replica di quella stessa casa da cui tutto parte.
Non si sa chi o cosa abbia decretato l’inizio, se siamo cellule contaminate oppure origini di altro in un altrove, ma la risposta non è la chiave del film. Piuttosto lo è la rivoluzione di questo campo minato, la rappresentazione del dolore nell’immagine neonata e speculare di noi stessi, un faccia a faccia, una lotta muta che trasforma ogni cosa.

Sopra la strisciante e propulsiva partitura finale sorge infine la drammatica danza tra vecchio e nuovo, in una sorta di berniniana morte Dafne/Apollo, che conduce a un solo fondamentale nucleo: la vita, qualsiasi vita, non ha altro scopo che se stessa.
Stelle: 8

«Che cos'è stato? La caduta di un meteorite? La visita di abitanti dell'abisso cosmico? Sta di fatto che nel nostro piccolo paese è comparso uno straordinario prodigio: la Zona*. Vi abbiamo mandato subito dei soldati. Non sono tornati. Allora abbiamo circondato la Zona con un cordone di polizia... probabilmente abbiamo fatto bene. Del resto, non lo so, non lo so...» Da Stalker (1979) di Andrej Tarkovskij.


Scheda film
Titolo: Annientamento (originale: Annihilation)
Regia: Alex Garland
Sceneggiatura:  Alex Garland (basato sul romanzo Annientamento. Trilogia dell'Area X. Vol. 1 di Jeff VanderMeer)
Cast:  Natalie Portman, Jennifer Jason Leigh, Tessa Thompson, Oscar Isaac, Gina Rodriguez, Benedict Wong, Sonoya Mizuno, Tuva Novotny, Cosmo Jarvis
Musiche:Geoff Barrow, Ben Salisbury
Genere: fantascienza
Durata: 115’
Nazione: USA
Anno: 2018
Distribuzione italiana: Netflix (tv).
La recensione fa riferimento alla versione del film in lingua originale.

Anima indomita dentro un corpo fragile, ma fasciato da muscoli, Alicia Vikander ha gli occhioni lucidi e lo sguardo incazzato. Non ha tregua e non molla, le prende e si rialza, legge mappe e risolve enigmi, salva gente, corre, le riprende ...e si munisce di arco e frecce.

L'ultimo Tomb Raider aggiorna (e riarma) il personaggio con dichiarate intenzioni di non fare parallelismi con i film precedenti. A partire dalla protagonista, umana e guerriera, che ancora prima del fisico vince una stella per la credibilità. La Vikander crede in questa eroina e, al contrario della collega precedente, non si preoccupa di anteporre la bellezza all’azione, anzi regge un film che altrimenti sarebbe la versione noiosa di Indiana Jones.
Perciò anche se Roar Uthaug pare stia girando un compito in classe commettendo un errore da principiante: snodi narrativi tanto succinti da sembrare obbligati a seguire un copione apri/chiudi di sequenze, l'intrattenimento riesce a farsi strada.
Certo avanza appassionando poco col dispiacere aggiunto di trailer rivelatori ormai fastidiosissimi. Ancora si potrebbe discutere sulla velocità di guarigione della ragazza, sulla carenza di battute degne di nota o sui monodimensionali  coprotagonisti, ma con la speranza che si raddrizzi il tiro Tomb Raider segna l’esordio della neo Lara. Lei, diversamente dal regista, corre a pieno regime, in una genesi che insegna che chi osa vince, e quelle che vincono sono le stesse che non mollano mai.
Stelle: 6

La forma dell’acqua abbraccia un mondo di freaks e se ti vai a sedere in sala non è certo per la storia. Classica fino ai limiti della fiaba, in bilico tra l'hentai e il soprannaturale, talmente bella da sembrare magia, così dichiarata da apparire debole. Ma del Toro mette in camera una realtà amabile, spietata e affascinante, e te la apre davanti agli occhi a passi di tip tap, così che tu scelga se ballare o stare fermo; se accedere agli abissi o avere ancora paura. Solitudini e diversi sono temi predominanti, ma il film contiene nel suo involucro quasi ogni sfaccettatura d’emozione e di conflitto, accompagnata a dovere da ogni proprio opposto. Con un cast e una musica che riempiono il cuore di buio e di luce, di male e di bene, nulla è lasciato al caso. Pure con alcune carenze o leggerezze evolutive nella trama c’è alla regia chi sa nutrire lo spirito, senza essere mai sovrabbondante.
The Shape of Water si rivela essere una carezza sulle cicatrici che ci portiamo dietro, una messa in scena sulla poesia del divino, che prende forme e strade differenti. Come un battito d’ali si presta all’arte delle conseguenze in mezzo al caos. Partendo da noi, dal rumore, e arrivando al silenzio, alla pace.
Al di là degli Oscar.

Stelle: 7
*La recensione fa riferimento alla visione del film in lingua originale.

(La recensione fa riferimento alla versione in lingua originale).

* 2001: Odissea nello spazio.

  To the Wonder - 2012
  Knight of Cups - 2015.

Grazie a chi me lo ha segnalato!

«C'è sempre un preciso momento... prima dell'attacco... dell'avanzata... del bombardamento e del caos. Un momento di calma assoluta. Non le sembra proprio che sia un momento del genere? Da qui non si vede il porto. Significa che nemmeno loro ci vedono. Siamo isolati. Topi in gabbia. Questa è la pace... prima della carneficina».
(Sam Neill - Generale John MacArthur)